Ausgehend von kulturellen generationalen Traumata, geht die Ausstellung in vier künstlerischen Positionen Fragen von Eigentum, Vertreibung und Erinnerung nach. In Installationen, Videos und Skulpturen widmen sich die Künstlerinnen Geschichten jenseits medialer und politischer Präsenz im westlichen Kontext. Ihre Arbeiten fungieren dabei nicht als reine Dokumentation oder Korrektur von Narrativen, sondern werden zu Agenten für einen Wandel, zwischen vergangenen Ereignissen und möglichen Zukunftsszenarien.

Die Gruppe zur analogen Fotografie des Huttenkiezes gibt den Anlass für diese Ausstellung. Sie flanierten im goldenen Sommer durch den Kiez und hielten Alltagsmomente mit ihren Kameras fest. Ungerahmt kleben ihre Bilder an den glatten Oberflächen, die sie auf der Straße als vergessenen Sperrmüll gefunden haben. Auch Texte und Collagen begleiten diese Fotografien, die unter den Anweisungen der Flânerie-Forscherin Mirjana Mitrović und des Fotografen Kamel Froschmann entstanden sind. Silvia Morandi schließt den Kreis und präsentiert eine Aufnahme ihrer Performance Charta, die sie im letzten Jahr live im Stadtschloss Moabit performt hat. Außerdem sind ausgewählte Kunstwerke anderer Nachbar*innen bei dieser Ausstellung zu finden.

Die Performer:innen sind spielerisch unterwegs. Ausgesetzt, loten sie die Leere aus, tasten sich vor, versuchen zu verstehen oder zu vergessen. Die Bewegung entlang der eigenen Grenzen führt immer wieder zu Grenzüberschreitungen, abseits des Bekannten. Ein Experiment aus Klängen, Tönen, Worten und Bewegungen, das Resonanzen erzeugt. Das Publikum wird dabei unmerklich Teil des Geschehens, egal ob es mit Zurücknahme oder Zuspruch reagiert.

Die Bamenda Film Association bildet junge Menschen in den Bereichen Film, Fernsehen, Theater und Musik aus. Das Schulgebäude wurde in Kooperation mit dem Reformations-Campus gebaut. Im Kino blenden mehrere Filme auf verschiedenen Projektionsflächen ineinander über. Ein Eindruck der Filmarbeit entsteht, die junge Menschen willkommen heißt und sie im Tun ihre Fähigkeiten entdecken lässt.

Im Erdgeschoss werden Malereien von Edelgard Giesbert präsentiert. Die Künstlerin ist anwesend. Für aktuelle Infos zu Führungen und anderes meldet euch unter Mira.Patalano@sos-kinderdorf.de.

Die Aquarelle von Evelyn Eichinger sind inspiriert von Reisen nach China, Afrika und Italien. Die Fotos von Georg Eichinger verdichten Strassenimpressionen von Moabit und anderen Berliner Stadtteilen.

Das Ausstellungs-Thema Einblicke ist durchaus doppeldeutig zu verstehen, denn zum einen werden Einblicke in die fotografischen Arbeiten des Künstlers gewährt, zum anderen beschreibt dieser Titel aber vor allem den für die ausgewählten Arbeiten spezifischen Blick des Fotografen: Von außen oder innen schaut er mit seiner Kamera durch Glas in dahinter liegende Räume. Dabei entstehen Reflexionen, Lichtspiele, Spiegelungen, Unschärfen und Irritationen, die mit den jeweiligen Motiven zu einem Vexierspiel verschmelzen. Gezeigt werden sowohl Schwarz-Weiß- als auch Farb-Aufnahmen, sowohl analoge als auch digitale Fotografien.

Was geschieht? ALS versteht sich als Anknüpfung zu einer persönlichen Erinnerung oder Erzählung. Denkt man zurück, was alles war ALS … kommen oft Fragen hinzu. Was wäre, wenn es nicht SO, sondern anders gewesen wäre. OB die Dinge dann anders sein würden? Wie begegnet man einander und wie sich selbst? Oder ist einfach alles SO, wie es eben ist? ALS lässt Freiraum für Sprache und Platz für eine Begegnung im Austausch über die Welt.

Bärbel Kosanke verfolgt seit 2016 ein künstlerisches Projekt und fotografiert nach bestimmten Regeln Krähen im Kiez. Die Regeln: 1. Sie arbeitet nur mit der Handykamera. 2. Die Krähe / die Krähen sollen fliegen. 3. Sie darf die Krähen nicht füttern. Entstanden ist eine Serie mit ca. 1000 Fotos, die sie in „Schwärmen“ auf Platten präsentiert.

Das Schneideratelier öffnet sich für eine interdisziplinäre Präsentation mit Kostümen, Stoffen, Malerei und Performance. Stoffe spielen hier die Hauptrolle: sie werden bearbeitet, versetzt, umformt, bewegt, verändert, angepasst und neugeordnet. Agnes Lörincz stellt ihre mit Stoffen collagierten Bilder im Schneideratelier Dering van Dieken aus. Carlotta van Dering und Marlene van Dieken schneidern hochwertige Kostüme und Maßbekleidung, Agnes Lörincz lässt sich von Stoffen inspirieren und sie Teil ihrer Malerei werden. Neben älteren Bildern werden neue Bilder gezeigt, auf denen einzelne Stoffe aus dem Schneideratelier wiederentdeckt werden können. Es entsteht ein Dialog zwischen den Bildern und den in die Nähe gehängten Kleidungstücke, ein neuer Zusammenhang. In der Performance am Eröffnungstag wird der Stoff als Kostüm am Körper des Performancekünstlers auch in einer Aktion erlebbar sein.

Nach dem Ortstermin23 schließt die Galerie. Sie war 14 Jahre Gastraum für über 80 Ausstellungen, Lesungen und Benefizveranstaltungen. Während Udo Würtenberger eigene Holzschnitte der letzten 30 Jahre ausstellt, zeigt Salome Haettenschweiler Malerei, Grafik und Objekte.

Am Sonntag, 03.09. um 15 Uhr findet ein Galeriegespräch statt. Alexander Soth stellt Udo Würtenberger Fragen zu seiner Galerie und zu seiner bildnerischen Tätigkeit.

Die Gastgeber Ernst Wellnhofer und Agnes Sauter-Wellnhofer laden ein und zeigen vor, sind Kuratoren.
Die Gastkünstlerin Merit Fakler präsentiert ein Gastgeschenk und zeigt neue Videos.
Der Gastkünstler Dietmar Spiller zeigt L lässt grüßen (Grafik).
Ein künstlerisches Gastmahl wird zubereitet von Mo Frank-Auth (Performance) mit achtsamer Vorkost am 1. Tag auf Schalen von Regina Klusmann und Agnes Sauter-Wellnhofer (Glas und Keramik). Am 2. Tag wird Schiefer-Tafelmusik von Anatol Weisse zur Pilzsuppe aus dem Spandauer Forst gespielt, anbei Kartonobjekte von Mo Frank-Auth und Farbzeichnungen von Anatol Weisse.

Konkret und Abstrakt
Farben und Formen

Seit fünf Jahren gibt es die Malgruppen. Wir treffen uns, um etwas „Kreatives zu schaffen“. Wir erfahren unterschiedliche Techniken für die Bildgestaltung. Wir lernen uns im Gestaltungsprozess kennen. Wir tauschen uns miteinander aus, was gefällt, was passt, was passt weniger … Die Gespräche geben uns (auch) Geselligkeit, Anregendes für den Alltag. Wir freuen uns auf neue Teilnehmer:innen. Wir zeigen Bilder, die in den letzten zwei Jahren entstanden sind.

Der Treff am Ottopark ist eine offene Freizeiteinrichtung für Menschen ab Mitte 40 aus dem Stadtteil (Fördergeber: Bezirksamt Mitte; Träger: Moabiter Ratschlag e. V.). Der Treff veranstaltet wohnortnahe Angebote wie PC- und Englisch-Kurse, Malgruppen, Sport, Yoga für Senior:innen, Qi Gong, Spiele-Nachmittage, eine Koch-, eine Mitsing- und eine Impro-Theater-Gruppe, Beratungen und Vorträge zu Themen, die für Rentner:innen relevant sein können, gemeinsame Besuche von kulturellen Veranstaltungen, Kunstführungen und vieles andere mehr. Die Kurse und Angebote sind kostenlos für die Besucher:innen, in einzelnen Kursen werden Materialkosten erhoben. Seit März 2023 gehört der Otto-Treff zum Netzwerk der Wärme und kann daher auch Öffnungszeiten außerhalb der Kurse und Veranstaltungen anbieten. Die Besucher:innen können bei einer Tasse Kaffee oder Tee (Selbstkostenpreis) einen Blick in die aktuelle Zeitung werfen, nette Gespräche führen oder einfach ein wenig entspannen und ausruhen.

Isa Zappe und Jakob Urban zeigen im Café Mauerwerk neue Arbeiten, die sich in verschiedenen Medien mit unserem Bezug zur Welt beschäftigen. Bigfoot, KI, queere Farben und ganz viele Blumen – Isa Zappe und Jakob Urban zeigen neue Arbeiten zwischen Video, Malerei, Druck und Installation. Befragungen des menschlichen Verhältnisses zur Natur und zueinander, sei es durch Fabelwesen oder Blumenzucht, digitale Medien oder queeres Leben.

Die plattform.moabit öffnete im Frühjahr 2005 ihre Türen. Sie ist eine der ersten Produzentengalerien Moabits mit dem Interesse nicht nur in eigener Sache, sondern auch eine Plattform für Künstler:innen und Designer:innen zu sein. Mit der Ausstellung ACHTZEHN wird diese Reise durch die Jahre fortgesetzt und mit allen Ausstellern:innen und Gästen die Volljährigkeit gefeiert! Gäste sind wie immer herzlich willkommen!

Andrea Knobloch zeigt große Zeichnungen, es sind Grabungen hinter den Fassaden. Sie versuchen sich daran, die Chimären transformierter Körperlichkeit ins Sichtbare zu bringen. Hinter seiner optimierten Fassade verbirgt der spätmoderne Mensch eine zunehmende Fassungslosigkeit angesichts der radikalen Erweiterungen menschlicher Handlungsspielräume.

Melting Soundscapes von Özcan Ertek sind Klanglandschaften, verschlüsselt im Thielpark in Berlin. Lokalisiert in einer Topografie, die sich am Ende der letzten Eiszeit und im Kontrast zur urbanen Expansion Berlins befindet. Das Mikrofon als Vergrößerungslinse verwendend, birgt die Arbeit Klangbeispiele, um über vergessene Tiefenökologien oder zukünftige eiszeitliche Klänge zu spekulieren.

In welchem Verhältnis zur Natur befinden wir uns? – in lockerer Reihe lädt Silke Riechert in ihr Atelier und Projektraum ein. Sie forscht an den Verwandlungsprozessen des Verfalls und Neubeginns im Kompost, bei Ästen und Erden, verbunden als Kompostskulpturen.

Manche Gäste bleiben – und das, obwohl sie gar nicht eingeladen waren.

So richte ich beim diesjährigen Ortstermin zum Thema „Gast“ den Fokus auf Pflanzen und Tiere, die oft als blinde Passagiere mitreisen und zum Teil dann auch bleiben. Breiten sie sich in ihrem neuen Lebensraum nahezu ungehindert aus, spricht man von biologischer Invasion. Mit der fortschreitenden Globalisierung und der Beschleunigung der Gesellschaft haben sich auch die Wege, wie ein Einwanderer ein neues Habitat erreichen kann, verändert. Natürliche Barrieren wie Wasser, Gebirge oder Wüsten spielen nun für invasive Spezies eine deutlich geringere Rolle. Stellenweise kann dadurch die Artenvielfalt zunehmen, häufiger sind aber negative Auswirkungen.

Für die Präsentation im Rahmen von Ortstermin nehme ich einige der in Berlin zu findenden invasiven Arten unter die Lupe. Im großen Maßstab und auf Goldgrund können sie ihre bisweilen bittersüße Schönheit ungehemmt entfalten.

Karen Schepers Zeichnungen, Assemblagen und Objekte entstehen auf der Basis von Texten, Schriftelementen, multimedialen Bildern und dem eigenen Fotoarchiv. Dabei nutzt sie die konzeptuelle Zeichnung als direktes Medium, Gesehenes oder Gelesenes zu analysieren, desgleichen als Mittel zur Reflexion über gesellschaftlich-politische Konzepte/Realitäten. In der zeichnerischen Re-Kontextualisierung von Text- und Bildstrukturen entwickeln sich komplexe Informationscluster, verdichtet zu abstrakten Zeichensystemen.

Häufig setzt Scheper die Techniken der Dekomposition und der Collage ein und kombiniert dafür Found Footage, digitale Bearbeitung und verschiedene Zeichentechniken. So treffen zum Beispiel Fragmente von Zeitungsbildern auf visuelles Material von Marssonden, deren digitaler Bildraum zeichnerisch umgeschrieben wird. Aus diesem Prozess heraus entstehen artifizielle Räume und Environments, in denen Konstruktion und zeichnerischer Gestus ineinander greifen.

In dieser visuell-klanglichen Rauminstallation versuchen die kanadisch-haitianische bildende Künstlerin Stina Baudin und die britische, in Berlin lebende Künstlerin für experimentelle Musik Abigail Toll die objektive Logik eines Datensatzes zu hinterfragen. Durch einen Prozess, den die Theoretikerin Denise Ferreira da Silva als fraktales Denken bezeichnet, „dezentrieren sie Zeit und Sequenzialität, um kompositorische Muster zu identifizieren, die die strukturierende Grammatik unserer Welt offenbaren“. In einem Prozess, der sich über fast ein Jahr erstreckte, sammelten die Künstlerinnen Wahrheitswerte aus ihrer eigenen täglichen Erfahrung und schufen ihr Werk gemeinsam über die sechs Stunden Zeitunterschied zwischen Deutschland und Kanada hinweg. In einer Reihe von Studien schichten sie sechs gewebte Tafeln in Kombination mit sechs Musiksätzen übereinander, die sechs Themen umfassen – Etymologien, Wasser, Zeit/Verschiebung, Flucht, Wunder und Erinnerung. Der fragmentierte Klang und die unleserliche visuelle Dokumentation stellen nicht nur die Abwesenheit und die Verformungen in Frage, die die Künstlerinnen in früheren Datensätzen gefunden haben, sondern verdeutlichen, wie gelebte Erfahrungen und Erinnerungen(unsere Wahrheitswerte) im Laufe der Zeit einen Prozess der Fragmentierung und Verzerrung durchlaufen.

www.stinabaudin.com, www.abigailtoll.com

Die Ausstellung wird unterstützt von HOLON.

Die Serie Rehearsing Moves on Hazy Paths wird durch Unterstützung des Hauptstadtkulturfonds ermöglicht.

Im Schaufenster des Korea Verbandes wird ein Gedenkzeichen zu NS-Verbrechen von Roswita Baumeister ausgestellt.

Ortstermin öffnet den Raum für die Begegnung mit dem Gedenkzeichen zur Erinnerung an die Frauen,die Sex-Zwangarbeit leisten mussten, (installiert in der Mahn- und Gedenkstätte Ravensbrück im Jahr 2020) und der Arbeit des Korea Verbandes im Museum der Trostfrauen.. Roswitha Baumeister, Karin Kröll und Christine Mühlhan-Korner geben Einblick in ihre Arbeit am Gedenkzeichen und in die dazu entstandene Publikation.

Roswitha Baumeister, bildende Künstlerin in Berlin, arbeitet inhaltlich zu Repräsentation von Frauen, Geschlecht als Fassade, Gedächtnis der Stadt und Erinnerungskultur.

Die Grafiker*in Karin Kröll lebt und arbeitet in Hamburg. Das Hauptaugenmerk ihrer künstlerischen Arbeit liegt auf visuellen Eingriffen und Sichtbarmachungen im öffentlichen Raum.

Die Produkt-Designerin Christine Mühlhan-Korner, arbeitet in Berlin-Reinickendorf. In ihrer Manufaktur entstehen Kunst- und Gebrauschsgegenstände aus Glas, kombiniert mit Materialien wie Gold, Palladium oder Kupfer.

Menschen, Gesichter, Geschichten
Kai Heimberg zeigt in dieser Ausstellung Porträts der letzten drei Jahre. Berührend, provokant, ganz nah.

Botox ist ein eingetragener Produktname, abgeleitet von Botulinumtoxin, einem der stärksten Nervengifte, das man/frau sich gerne ins faltige Gesicht spritzen lässt, um es wie einen Babypopo aussehen zu lassen. Es handelt sich dabei um Ausscheidungen von Bakterien, die in verdorbenem Fleisch gedeihen. Daher auch der Name, abgeleitet vom lateinischen Wort botulus (= Wurst).

Gleb Bas und Thomas Lang haben Jan Deyrieux und Pawel Podolak dazu eingeladen, in einer gemeinsamen Ausstellung einem möglichen Verhältnis von Botox zur zeitgenössischen Kunst nachzugehen.

Die Ausstellung UnFinished2023 stellt die Welt einer Figur vor, die unsere Vorstellungskraft fesselt und uns abstößt. Eine Reise in die Abgründe der menschlichen Unmoral mit der rätselhaften Figur.

„Jack Hole“ debütiert in unserer sinnlich erfassbaren Welt und wird durch den Künstler Daniel Hemel lebendig, der hier sein Angestellter ist und ihn in einem immersiven Raum eines ehemaligen Gebetshauses zur Welt kommen lässt.

Mit seiner Schläue und seinen abgründigen Begierden verkörpert „Jack Hole“ die Abartigkeit und Skrupellosigkeit eines ausschweifenden Charakters, der einen unauslöschlichen Eindruck in der Welt der Fiktion und der Realität hinterlässt.

UnFinished2023 zielt nicht darauf ab, die Taten von „Jack Hole“ zu verherrlichen, sondern die Komplexität seiner hyperkapitalistischen Psyche zu untersuchen. Verschiedene Artefakte werden das facettenreiche Wesen von „Jack Hole“ erhellen. Von seinen dunklen Ursprüngen bis hin zu dem von ihm gesponnenen verschlungenen Netz von Täuschungen wird uns die Beschäftigung mit seinem Charakter dazu bringen, unsere eigenen Werte, die Struktur unseres moralischen Kompasses und die Grenzen der Verderbtheit zu hinterfragen. Betreten Sie die Ausstellung mit offenem Geist, bereit für beunruhigende Enthüllungen und lassen Sie „Jack Hole“ als Spiegel der moralischen Verwicklungen unserer unvollendeten (unfinished) Welt dienen.

Du wirfst deinen Visualisierungswunsch in die Wishbox und am nächsten Tag kannst du den Ausdruck abholen.
Leinwand einmal anders. Aus Pappverpackungen werden Leinwände. Integriert ist die KI Kunst auf Pergament und Plastik. Besonderheit: Die @wishbox.berlin vom HKW nimmt Wünsche auf und präsentiert deine Kunst am nächsten Tag zum Mitnehmen auf DIN A4 gedruckt. Gerahmte Werke der KI werden gezeigt. Kinder malen mit Rot oder Blau auf Pappe.

In Verena Maria Fürsts Fenstergalerie sehen Kunstspaziergänger:innen aktuelle Malereien.

Das Projekt guest.room präsentiert fotografische Impressionen der reichhaltigen Ess- und Trinkkultur Moabits.

Das Projekt visualisiert individuelle Erfahrungen rund um das Gast-Sein und Gastgeben in der Moabiter Restaurant- und Kneipenszene. Künstler:innen und Projektteilnehmer:innen setzen sich mit der Frage von Ess- und Trinkultur als einem gemeinschaftlichem Aufeinandertreffen auseinander und hinterfragen die Auswirkungen von Inflation und Krieg im sozialen Raum. Ziel ist es, die Vielfalt des Gast-Seins/Gastgebens zu veranschaulichen – ein Gast ist nicht einfach nur ein Gast, sondern wird zu einem Gast gemacht. Somit stellt das Projekt guest.room den vielfältigen Charakter des Viertels dar, erforscht es und verbeispielt die kulinarische Vielfalt, die die Gemeinschaft prägt. guest.room ist eine Reise, die Identität, Zugehörigkeit, Veränderungen, die Kunst des Gastgebens und des Gast-Seins in einem transdisziplinären Wechselspiel vereint.

Die Ausstellung Gastarbeiterinnen im Projektraum Kurt-Kurt bietet viele Eingänge/Türen zu diversen Themenfeldern wie Arbeit, Kunst, Frau, Gast, Moabit. Die teilnehmenden Künstlerinnen untersuchen die unterschiedlichen Aspekte dieses vielschichtig lesbaren und interpretierbaren Titels mit ihren künstlerischen Strategien und Medien von Zeichnung, Film über Rauminstallationen bis Performance.

Erfolgreich stellen die Künstlerinnen international aus und reisen durch die Welt. London Paris New York Peking Moskau. Überall treten sie als temporäre Gastarbeiterinnen auf und hinterlassen künstlerische Werke in Ausstellungen. Sie sind mit ihren Arbeiten zu Gast in Museen, Kunstvereinen, Galerien, an Biennalen oder präsentieren ihre Arbeiten im öffentlichen Raum. Doch wo sind die Menschen hinter diesen Bildern? Wo und wer sind die Künstlerinnen?

Ein zentraler Aspekt der Ausstellung Gastarbeiterinnen ist die Betrachtung der zeitgenössischen Figur der Künstlerin als einer Pendlerin zwischen Migration, permanenter künstlerischer Gastarbeiterin und ihrer Verortung an einer bewusst gewählten festen Basis hier in Berlin. Die Arbeit als eingeladener Gast in fremden Umgebungen gehört zu ihrem Beruf. Es ist ihnen bekannt, dass Kunst im Austausch und in der Begegnung mit dem Anderen und Fremden das Eigene in seiner Unverwechselbarkeit wahrnehmbar macht und hervortreten lässt.

Darüber hinaus wirft das Thema Gastarbeiterinnen viele Fragen auf, die unsere Gesellschaft aktuell beschäftigen: etwa in Bezug auf den Fachkräftemangel oder den Klimawandel und damit verbundene „Gastarbeiterinnen“ wie Tigermücken, Zecken etc. oder Migration auf Zeit wegen Kriegen, Klimakatastrophen und politischer Unterdrückung. Aber auch die Kunst im Kontext des Stadtlabors Moabit schwingt im Titel Gastarbeiterinnen mit. Während der 1960er Jahre, als Deutschland gezielt Fachkräfte vor allem in den südlichen Ländern Europas und der Türkei angeworben hat, in der öffentlichen Wahrnehmung zumeist männliche, kamen auch viele Frauen nach Moabit, wohnten in Frauen-WGs in der Nähe, zum Beispiel an der Siemensstraße, und arbeiteten bei Siemens oder AEG, Telefunken, DeTeWe und in vielen mittelständischen Textilunternehmen.

Die Ausstellung Gastarbeiterinnen diskutiert das komplexe Thema, oszillierend zwischen Gast und Arbeit, und präsentiert dazu sechs unterschiedliche künstlerische Positionen von Hyon-Soo Kim, Antonia Low, Anette Rose, Nicole Schuck, Andrea Stahl und Michaela Zimmer.

Die Installation besteht aus einer „Landschaft“ aus Tausenden von zusammengenähten Stofftieren sowie Zielscheiben aus Stoff und Spielzeugpistolen, Büscheln von ausgestopften Hasen, die wie Karnevalsbündel aufgehängt sind, und den Fotos von den Abenteuern eines Riesenkaninchens, das frisch in Berlin gelandet ist wie Gulliver bei den Liliputanern.

Parallelwelten überlagern sich in Rabbits und kollidieren, Welten, die nacheinander oder gleichzeitig Momente der Kindheit, Fragmente eines Vergnügungsparks oder Partikel einer erotischen Fantasie enthalten. Die Arbeit spricht von der Zurückweisung der Realität, von Zufluchtsorten – von der Matrix bis zu immersiven Erfahrungen – als Gegenstück zur Unzufriedenheit und zur Malaise, die durch eine auf den Konsum ausgerichtete Lebensweise hervorgerufen werden, aber auch in Bezug auf den Begriff des Begehrens, wie er von der Psychoanalyse entwickelt wurde, das heißt die dem Menschen eigene Dimension der Suche, dieses Bedürfnis, die Realität mit dem Ziel der Befriedigung und des Vergnügens zu verändern.

(E)motion ist ein gemeinsames Video- und Audioprojekt von Marta Djourina und Jane Garbert. In der Kombination von Djourinas Filmmaterial und Garberts Musikkomposition wird die sich gegenseitig verstärkende Wirkung von Bild und Ton untersucht. Im Wechselspiel zwischen Singularität und Parallelität des analogen Bild- und Tonmaterials versuchen die Künstlerinnen, das Momenthafte und das Fortdauernde, Rhythmus und Geschwindigkeit zu verbinden.

Im Video werden wesentliche Bezüge zum Kino und zur bildenden Kunst hergestellt. Die Bilder basieren auf Lichtspuren auf Fotofilmstreifen, die dann gescannt und zu einer fließenden Bewegung animiert wurden. Die Klanginterventionen reagieren auf und interpretieren die Bewegung der Spuren und fügen den untersuchten Themen wie Umgebung, Abwesenheit, Distanz und Verbindung eine weitere Komponente hinzu.

LEFT WINTER erforscht das Konzept des Themas Gastfreundschaft anhand der alltäglichen, aber äußerst kraftvollen Kultur des Ping Pong. Die Musik verwendet Aufnahmen dieses winzigen Balls und verwebt sie auf subtile Weise zu einem quecksilbrigen Werk, das live gespielt wird. Ein Werk, das die Neigung des Künstlers zu ätherischen Klänge aus übereinander geschichteten minimalistischen Komponenten, orchestralen Parts und Glitches fortschreibt. Seine Musikperformance wird von seiner semifotografischen Studie begleitet.

Die einzelnen Künstler:innen werden in der verschiedenen Stockwerken jeweils thematisch eigene Bereiche bespielen. Unter anderem werden Historie und Impressionen des LebensTraum-Hauses in Fotos dargestellt.

Seid Gast in unseren kunstvollen Kaftanen, die ihr für einen Rundgang durch unsere Ausstellung anziehen und damit die Raumwahrnehmung aller verändern könnt. Seid Gast am Webstuhl und webt mit - alleine eure Unerschrockenheit, verschiedenste Materialien einzusetzen, zählt.

Das S9KOLLEKTIV hat ein alternatives Ausstellungskonzept im Kontrast zum White-Cube entwickelt, um ein warmes, einladendes Gefühl bei den Besucher:innen hervorzurufen. Durch das Hängungskonzept der Werke und Hilfestellungen für die Gäste wird eine neue Kunst-Erfahrung ermöglicht.

Eine der Grundideen des Kollektivs ist es, Kunst nicht nur Menschen innerhalb der Kunstwelt, sondern allen Interessierten zugänglich zu machen.

Parkbucht im öffentlichen Raum an der Kreuzung Stephanstraße / Rathenower Straße 10559 Berlin

2. Teil im Oktober 2023
Weitere Informationen und Aktualisierungen unter: www.sylviahenrich.de

L36 ist ein Raum, der Interessierten und Anwohnerinnen und Anwohnern bereits im Alltag Einblicke bietet: Wer an den beiden großen Schaufenstern vorbeikommt, kann einen Blick hinein auf einen gemeinsam genutzten Ort der künstlerischen Arbeit werfen, in dem Gemälde und Zeichnungen an den Wänden rund um die Schreibtische hängen.

Anlässlich des Ortstermins 2023 sind die Ateliertüren geöffnet und ermöglichen den Besuch im Innern und des grünen, großzügigen Innengartens, in dem die verschiedenen Gebäude der Lehrter Straße zusammenlaufen und der von den Bewohnern als Treffpunkt und für Gartenarbeiten genutzt wird.

Der Arbeitsraum wird zum Ausstellungsraum, behält jedoch durch bewusst gewählte Elemente seinen Charakter als Atelier bei. Eine Installation aus hängenden Stoffen wird die Gäste vom Vorplatz hinein und durch den Raum führen. So wird er zum Durchgang, zur Passage, die Besucherinnen und Besucher zur Erkundung und zum Verweilen einlädt.

Die drei Künstlerinnen zeigen Arbeiten, auch partizipatorischer Art, die die Aspekte von Außen und Innen, Übergang, Durchgang und Verweilen beleuchten. Jede Künstlerin fokussiert ihre Arbeit auf einen dieser Aspekte.

Die Kulturfabrik Moabit e. V. ist eines der wenigen ursprünglichen Bestandteile des Berliner Straßenlebens in Moabit. Das Haus verfolgt ein multidimensionales Konzept: die Verschränkung von Kunst und Kulturarbeit in Kooperation mit lokalen, regionalen und internationalen Initiativen und Kollektiven.

Seit 1991 fest etabliert steht die Kulturfabrik für einen Ort der Toleranz und des demokratischen Verständnisses und Wandels. Die Kulturfabrik ist Mitglied in der Bundesverbandes sozialkultureller Zentren und des Deutschen Paritätischen Wohlfahrtsverbandes.

Während ich mir den Unsinn anhöre, den Borrel sagt: „Wir haben Europa zu einem Garten gemacht, wir müssen uns vor dem Dschungel in Acht nehmen“ IDIOT!!! Während ich weiterhin diese unsinnigen Weltnachrichten lese, widme ich dieses Werk meinem lieben Bolivien … Eine Arbeit, die meinem Land Bolivien gewidmet ist. Ich hoffe von ganzem Herzen, dass wir für ein neues Bolivien arbeiten, für das Bolivien, das wir schon immer sehen wollten, schön, stolz, gebildet und vor allem im Bewusstsein unserer Identität, dass wir sagen, wie ein Freund zu sagen pflegte: „Die Geschichte gehört uns und wir machen sie.“ Vielleicht können einige von uns dieses Bewusstsein nicht ganz sehen, aber diese Formulierung macht deutlich, dass wir nach so vielen Völkermorden, denen wir ausgesetzt waren, nach so vielen Militärdiktaturen, nachdem uns so oft unsere natürlichen Ressourcen gestohlen worden sind, nachdem so oft versucht worden ist, uns unsere multinationale Identität zu nehmen, heute stärker sind als je zuvor ... Wir alle, alle Südamerikaner:innen, alle Mittelamerikaner:innen und alle Bewohner:innen der Karibik, müssen Zeit haben, unseren Kontinent wiederherzustellen und uns um unsere Plurinationalität zu kümmern. Vielen Dank dafür an unsere Held:innen, die nicht wenige sind, danke auch an unsere Dichterinnen, an unsere Frauen, an unsere alten Leute, an unsere Fachkräfte, die es verstanden haben, den Weg zu erhellen, den wir gehen mussten. Heute sehen wir ein Bolivien, das immer noch die Last so vieler Jahrhunderte stemmt, aber mit harter Arbeit und gemeinsam werden wir es schaffen. Jallalla Bolivien DOMITILA

Mientras escucho las idioteces que dice Borrell, " hemos hecho de europa un jardin,tenemos que tener cuidado de la jungla " IDIOTA !!! Mientras sigo leyendo estas burradas de noticias del mundo,le dedico este trabajo a mi querida Bolivia... Obra dedicada a mi País Bolivia. Espero en lo más profundo de mi ser que trabajemos por esa Bolivia nueva, por esa Bolivia que siempre hemos querido ver, linda, orgullosa educada y sobre todo consciente de nuestra identidad, Que digamos como decía un amigo, "La historia es nuestra y la hacemos nosotros" posiblemente algunos de nosotros no podremos ver en su totalidad las toma de conciencia, pero, que dejara bien claro, que después de tantos genocidios al que fuimos sometidos, que después de tantas dictaduras militares, que después de tantos robos de nuestros recursos naturales, que después de tantos intentos de quitarnos nuestra identidad plurinacional, hoy estamos presentes más fuertes que nunca… Todos los Sud americanos, todos los centro americanos y todos los caribeños, tenemos que tener tiempo para recuperar nuestro continente y de cuidar nuestra plurinacionalidad y estar agradecidos por ese gesto tan noble a nuestros héroes, que no son pocos, gracias también a nuestras poetisas, a nuestras mujeres, a nuestros viejos, nuestros profesionales, que han sabido alumbrarnos el camino que teníamos que seguir. Hoy vemos una Bolivia que todavía se está sacando el peso de tantos siglos, pero con trabajo y todos juntos unidos lo vamos a lograr. Jallalla Bolivia DOMITILA

Roxana Halls (geb. 1974, Plaistow, UK) ist eine britische figurative Malerin, die für ihre Gemälde von eigensinnigen Frauen, die sich den Erwartungen der Gesellschaft verweigern, sowie für ihren ironischen Humor und ihre beunruhigenden Erzählungen bekannt geworden ist. Halls brach ihre akademische Kunstausbildung im Alter von 18 Jahren ab und blieb weitgehend Autodidaktin. Sie lebt und arbeitet im Süden Londons. Die Ausstellung Die Augen der Roxana Halls ist ihre erste institutionelle Ausstellung.

Dem Thema der Namensgebung und der Bedeutung von Namen widmet sich die Ausstellung To be – Named. Entstanden ist sie in Reaktion auf einen Open Call, der Künstler:innen aus aller Welt, unabhängig ihrer kulturellen Hintergründe und Identitäten, die mit digitalen Medien, wie Video, Fotografie, Aufführungen, Geräuschkulissen, Animation, Computerspiele, etc. arbeiteten, aufrief ihre Werke einzureichen.

Als Teil eines größeren Projekts (hauskunstmitte.de/to-be-named) wurde aus zahlreichen Einsendungen dann eine Auswahl getroffen von Werken, die an mehreren Orten in der Welt ausgestellt werden würden. Jeder Ausstellungsort ergänzt die Auswahl der „reisenden“ Kunstpositionen um ebenso viele lokale Positionen – um einerseits einen Dialog der teilnehmenden Künstler:innen untereinander zu befördern und andererseits auf die spezifischen Diskurse zur Ausstellungsthematik in den jeweiligen Ländern einzugehen.

Mit der Ausstellung Hülle lade ich Freund:innen ein, sich künstlerisch mit dem Konzept und dem Begriff Hülle auseinanderzusetzen.

Im Alltag begegnen und nutzen wir Hüllen ständig. Zum Schutz, zum Transport und um Dinge unbeschädigt und frisch zu halten. In der Natur ermöglicht eine Hülle das beschützte Heranwachsen.

Unsere eigenen Körper kleiden wir ein, um uns zu verschönern oder zu wärmen. Dabei ist unser Körper selbst schon eine Hülle für Gedanken und Organe. Der Körper ist Verhülltes und Hüllendes zugleich.

Vier künstlerische Positionen nähern sich dem Thema fotografisch, zwei Positionen arbeiten malerisch. Dreidimensionalität im Raum wird durch eine Skulptur geschaffen, zur Eröffnung gibt es eine Performance.

Begleitet von sanfter Musik kommt eine Person mit einem ihrer Hautfarbe ähnlichen, transparenten Gewand in den Raum. Sie schaut sich um und bewegt sich leicht wie eine Feder im Raum. Ihre einzige Hülle, der Körper, die Haut, die unser Dasein von unserem Bewusstsein trennt, verlässt sie, indem ihre körperliche Schicht, die eigene Haut transparent wird. Tänzerisch-spielerisch verwandelt sich ihr Körper in ihr Bewusstsein, ihre Hülle transzendiert in die Atmosphäre, sie wird hüllenlos.

Nico Tobias Nitsch zeigt neue Arbeiten aus dem Bereich KlangSkulpturen, mechanische Musikmaschinen und kinetische Objekte. Ein Hauptprojekt sind mechanische Gebetsmaschinen zu Rettung der Welt!

Die GlassConnectionBerlin e. V. ermöglicht jedem den spannenden Einblick in die verschiedensten Prozesse und Techniken des Glasmachens. Venezianisches Handwerk, internationale Glaskunst und Alltagsgegenstände, in der GlassConnectionBerlin trifft alles aufeinander. Sie verbindet die gemeinsame Passion für dieses traditionelle Kunst, die den rasanten Alltag entschleunigt. Glas ist zwar allgegenwärtig, doch dessen tatsächlicher Wert offenbart sich erst wirklich im Prozess der Herstellung. Die Künstler:innen arbeiten live mit der Metallpfeife am 1200°C heißen Schmelzofen und lassen aus dem glühend flüssigen Material einmalige Glasobjekte entstehen. Ob kraftvoll oder filigran gearbeitet, in der Ausstellung findet sich die Klarheit und Farbenvielfalt von Glas wieder. Lassen Sie sich vom Glasblasen begeistern und tauchen Sie bei uns in dieses faszinierende Kunsthandwerk ein. Acht Berliner Glaskünstler:innen zeigen ihre Glasobjekte. Des Weiteren werden Pyrografien ausgestellt und der Flammenbrunnen im Hof lädt zum Verweilen ein.

Erstmalig tun sich Künstler:innen des Künstlerhauses Art House Rising in der Paulstraße 34 zusammen und zeigen aktuelle Arbeiten in einer Gruppenausstellung sowie in ihren offenen Ateliers. Zur Eröffnungsfeier wird es neben der Kunst auch eine Bar, Essen und Musik geben.

Seit 2020 entsteht und entwickelt sich das Art House Rising in der Paulstraße 34. Aus einem ehemaligen Hostel machten Künstler:innen aus eigener Initiative ein Haus mit Ateliers, Werkstätten, Musikstudios, Tattoostudios und einem Ausstellungsraum mit regelmäßigem Programm.

In den Schaufenstern, die ihnen von Blumen- und Gartenkunst Tunger-Schnur für das Festival zur Verfügung gestellt werden, erproben die beiden Künstlerinnen Elisa Canducci und Fabrizia Vanetta die Möglichkeiten, die ein nicht begehbarer und nur von der Straße aus einsehbarer Raum als Ausstellungsfläche bietet. Es wird eine ortsspezifische Installation gezeigt.

point of view steht für einen gedanklichen Standpunkt, von dem aus eine Geschichte erzählt wird, aber auch für den tatsächlichen Blickwinkel, den die Betrachter:innen vor der Installation einnehmen können.

Heinstoldt Diary’s ist ein fortlaufendes Videoprojekt, das aus der Perspektive zweier 24-Jähriger gestaltet wird. Es verbindet Techniken der Fotografie und des Videos, um kurze, flüchtige Clips zu erzeugen, die ihre Träume, Erinnerungen und Gedanken repräsentieren. Jedes Video wirkt wie ein visueller Tagebucheintrag. Heinstoldt Diary’s fängt eine Bandbreite von Erfahrungen ein – von der Realität bis zur Traumwelt, von vergangenen Erinnerungen bis zu zukünftigen Ideen.

Dieses Projekt lädt die Zuschauer:innen ein, sich in den vorgestellten Momenten wiederzufinden, nachzudenken und Inspiration zu ziehen.

Nach Goethes Prinzip der „Urpflanze“ ist das Grundelement, woraus eine Pflanze erwächst, überall in der selbst Pflanze wiederzufinden. Durch das bewusste Wiederverwenden gleicher Elemente in fast allen Arbeiten entsteht eine direkte Verbindung der einzelnen Werke untereinander.

Zwei junge Künstlerinnen geben ein Einblick in ihre Wahrnehmung der Realität. Die unterschiedlichen Ansichten sind in unterschiedlichen Medien wiedergegeben und lassen die Betrachter:innen parallele Welten auf unterschiedliche Weise entdecken.

Nach einer langen Reise durch Kanada teilt der Fotograf seine ganz eigenen Eindrücke mit den Betrachtern.

Das Festival Time to Listen führt internationale Künstler:innen zusammen, die mit musikalischen Mitteln auf das dringliche Thema der Klima- und Umweltkrise reagieren. Sie regen mit Klängen dazu an, über unser Verhältnis zu Umwelt, Technologie, indigenem Wissen, Klimagerechtigkeit und Konsum im Anthropozän nachzudenken. Die Projekte verdeutlichen die globale Perspektive und weltweite Besorgnis und laden dazu ein, den letzten Refugien von Biodiversität in Regenwäldern, schmelzenden Gletschern oder austrocknenden Flüssen und Wüstenbildung in der Subsahara zuzuhören. Gleichzeitig begegnen wir der Missachtung des Lebendigen in globaler Abfallwirtschaft, Viehzucht, Überfischung und Bodenversiegelung. Künstler:innen machen Umweltveränderungen erfahrbar, stellen ethischen Fragen und weisen Wege auf, mit diesen umzugehen, emotional und handelnd. Es werden Szenarien entwickelt, in denen Menschen und natürliche Ökosysteme ihre symbiotische Beziehung wieder aufleben lassen, indigene Naturkonzepte als Transformationsoption durchscheinen oder klimaneutrale Technologien den Klang hervorbringen.

Wasser als unverzichtbarer unergründlicher Lebensraum und die Bedrohung, darin zu ertrinken. In der Klanglichkeit des Ein- und Ausatmens liegt die Verdichtung der heutigen Zeit, im Zittern der Sprache der hörbare Rhythmus der Überlebenskraft. Aphrodite, die Schaumgeborene: Auf ihr Zutun, so heißt es, entbrannten zehn Jahre Krieg. Ein interdisziplinärer sinnlicher Performanceabend mit Stimme, Sprache, Klang, Wasser, Schaum, einem Aquarium und Hydrophonen, mit der Stimmperformerin und Komponistin Ute Wassermann, der Komponistin und Schriftstellerin Nina Dragičević und der Schriftstellerin und Performerin Anna Hetzer.

Ute Wassermann: Krill (2023, UA) für Solo-Performerin und Aquarium
Nina Dragičević: Stop (2021) für Solo-Performerin und Wasserschüssel
Anna Hetzer: Schaum. Ein Cybertrip durch den Garten Erde (2022) Performance

Die Uraufführung der Sprechchor-Aktion MOABITER CHÖRE von dem Komponisten und Klangkünstler Peter Ablinger ist das große Finale des Festival Time to Listen. Die ökologische Krise in Klang und Musik der Akademie der Künste (18.08.–03.09.). Zwei Chöre, gebildet aus freiwilligen Mitstreiterinnen, laufen auf gegenüberliegenden Bürgersteigen von der Akademie der Künste im Hansaviertel (ab 14 Uhr) zum Ottopark in Moabit zur Nachhaltigkeitsbude (an 14:45) und sprechen auf diesem Weg im Wechsel und angeleitet von zwei Chorführerinnen Texte, die sich auf die aktuelle Situation der Klimakrise beziehen, Texte von Peter Ablinger, die irgendwo zwischen Sinn und Unsinn, Politik und Surrealismus, Betroffenheit und Persiflage liegen.

Wer Lust hat, kann mitmachen und sich an der Akademie der Künste für Proben und Aufführung (beides am So 3.9.2023 11–15 Uhr) anmelden unter: musik@adk.de

In diesem Workshop lernen wir, wie ein Buch aus losen Papieren gemacht werden kann. Wir erarbeiten ein Konzept, um bereits vorhandene* Texte und Bilder zum Thema Migration in einer Publikation zu vereinen. Wir entscheiden uns für einen Namen und ein Design, drucken es selbst und probieren eine einfache Form der Bindung aus. Am Ende erhält jede Person ein fertiges Exemplar des gemeinsam entwickelten Buches in die Hand.

*Dieser Workshop ist Teil von Trashumantes, einem Verlag, der in Zusammenarbeit mit der lateinamerikanischen Community in Berlin veröffentlicht. Personen, die nicht an früheren Workshops teilgenommen haben, werden zugelassen, müssen aber mit Material arbeiten, das zuvor von anderen Teilnehmenden produziert wurde.

Anmeldung: trashumantes.verlag@gmail.com

Gebauter Raum – getanzter Raum, Baukörper – Wohnkörper: Auf diesem 90-minütigen Spaziergang durch das Hansaviertel beleben 4 Tänzer:innen dessen spezielle Architekturen auf ihre Weise. Aus dem Lesesaal der Hansabibliothek hinaus und wieder zurück: ein Kreis getanzter Reaktionen, Spiegelungen und Kommentare, der von der Literatur zur Architektur und zu den Bewohnern ausgewählter Häuser und ihren Geschichten führt.

Max. 20 Personen mit Anmeldung bei „Offen für Kultur“ unter: kontakt@offen-fuer-kultur.berlin. Bitte 15 Minuten vorher am Empfang der Hansabibliothek sein.

Der Text Aber Bleib Hier von Lilli Hellmons ist eine Darstellung der Geschichten und Perspektiven von Frauen aus ihrer Familie in Bezug auf Migration und Herkunft. Die Lesungen, die über einen Zeitraum von drei Terminen in der Hansabibliothek stattfinden, bieten einen Einblick in das Leben zwischen verschiedenen Kulturen, Sprachen und Ländern. Mit dem feministischen Gesprächsformat und der autoethnografischen Erzählung gibt sie den Frauen aus ihrer Familie eine Stimme und vermittelt wichtige Einsichten in die Herausforderungen und Schätze des Lebens zwischen mehreren Welten. Der Text und die Lesungen sind besonders relevant in einer Zeit und Stadt, in der Migration und Identität heftig diskutiert werden. Als Teil ihres künstlerischen Ansatzes wird die Autorin ihren unvollendeten Text mit dem Publikum in Kontakt bringen, sodass ein intimer und sicherer Raum für gegenseitigen Austausch und Einflussnahme entsteht.

In der Ausstellung werden fotografische Positionen versammelt, die in ihren Arbeiten individuelle Realitäten notieren. Realitäten, die in Form ihrer Dokumentation zu Memos werden, die das Verhältnis der Fotografin und des Fotografen zu ihrer oder seiner Realität markieren. Die eigenen Erfahrungsräume bilden die Grundlage der ausgestellten Arbeiten. Sie erinnern sich und andere an persönliche Erfahrungen und an erfahrbare Veränderungen. In ihrer Bündelung bilden sie den Anspruch eines kollektiven Erinnerns innerhalb subjektiver Vergegenwärtigung. we must pool our memos. ist ein Memorandum an das Geschehene und das Gemeinsame: „note to self“ wird zu „note to ourself“.

Bärbel Dieckmann, 1961 in Bielefeld geboren, ist eine expressionistisch-realistische Bildhauerin. Auf einem Humanistischen Gymnasium kam sie schon frühzeitig in Kontakt mit klassischer Literatur und ihren Gestalten. Ihre Geschichten und Themen sind von bleibendem Interesse für sie und haben ihre Arbeit stark beeinflusst. Die griechischen und römischen Götter und Göttinnen sind in ihren Tugenden und Untugenden sehr menschlich: in dem Mythischen sieht Dieckmann nicht das Ferne und Fremde, sondern das Unmittelbare und Menschliche. Sie bekam die Aufgabe, das offiziele Porträt des Bundespräsidenten a.D. Joachim Gauck zu modellieren.

Aquarelle zum Festhalten von Erinnerungen und Träumen. Die Schönheiten der Natur emotional und expressional auf Papier festgehalten.

Ausgehend von kulturellen generationalen Traumata, geht die Ausstellung in vier künstlerischen Positionen Fragen von Eigentum, Vertreibung und Erinnerung nach. In Installationen, Videos und Skulpturen widmen sich die Künstlerinnen Geschichten jenseits medialer und politischer Präsenz im westlichen Kontext. Ihre Arbeiten fungieren dabei nicht als reine Dokumentation oder Korrektur von Narrativen, sondern werden zu Agenten für einen Wandel, zwischen vergangenen Ereignissen und möglichen Zukunftsszenarien.

Die Gruppe zur analogen Fotografie des Huttenkiezes gibt den Anlass für diese Ausstellung. Sie flanierten im goldenen Sommer durch den Kiez und hielten Alltagsmomente mit ihren Kameras fest. Ungerahmt kleben ihre Bilder an den glatten Oberflächen, die sie auf der Straße als vergessenen Sperrmüll gefunden haben. Auch Texte und Collagen begleiten diese Fotografien, die unter den Anweisungen der Flânerie-Forscherin Mirjana Mitrović und des Fotografen Kamel Froschmann entstanden sind. Silvia Morandi schließt den Kreis und präsentiert eine Aufnahme ihrer Performance Charta, die sie im letzten Jahr live im Stadtschloss Moabit performt hat. Außerdem sind ausgewählte Kunstwerke anderer Nachbar*innen bei dieser Ausstellung zu finden.

Die Performer:innen sind spielerisch unterwegs. Ausgesetzt, loten sie die Leere aus, tasten sich vor, versuchen zu verstehen oder zu vergessen. Die Bewegung entlang der eigenen Grenzen führt immer wieder zu Grenzüberschreitungen, abseits des Bekannten. Ein Experiment aus Klängen, Tönen, Worten und Bewegungen, das Resonanzen erzeugt. Das Publikum wird dabei unmerklich Teil des Geschehens, egal ob es mit Zurücknahme oder Zuspruch reagiert.

Die Bamenda Film Association bildet junge Menschen in den Bereichen Film, Fernsehen, Theater und Musik aus. Das Schulgebäude wurde in Kooperation mit dem Reformations-Campus gebaut. Im Kino blenden mehrere Filme auf verschiedenen Projektionsflächen ineinander über. Ein Eindruck der Filmarbeit entsteht, die junge Menschen willkommen heißt und sie im Tun ihre Fähigkeiten entdecken lässt.

Im Erdgeschoss werden Malereien von Edelgard Giesbert präsentiert. Die Künstlerin ist anwesend. Für aktuelle Infos zu Führungen und anderes meldet euch unter Mira.Patalano@sos-kinderdorf.de.

Die Aquarelle von Evelyn Eichinger sind inspiriert von Reisen nach China, Afrika und Italien. Die Fotos von Georg Eichinger verdichten Strassenimpressionen von Moabit und anderen Berliner Stadtteilen.

Das Ausstellungs-Thema Einblicke ist durchaus doppeldeutig zu verstehen, denn zum einen werden Einblicke in die fotografischen Arbeiten des Künstlers gewährt, zum anderen beschreibt dieser Titel aber vor allem den für die ausgewählten Arbeiten spezifischen Blick des Fotografen: Von außen oder innen schaut er mit seiner Kamera durch Glas in dahinter liegende Räume. Dabei entstehen Reflexionen, Lichtspiele, Spiegelungen, Unschärfen und Irritationen, die mit den jeweiligen Motiven zu einem Vexierspiel verschmelzen. Gezeigt werden sowohl Schwarz-Weiß- als auch Farb-Aufnahmen, sowohl analoge als auch digitale Fotografien.

Was geschieht? ALS versteht sich als Anknüpfung zu einer persönlichen Erinnerung oder Erzählung. Denkt man zurück, was alles war ALS … kommen oft Fragen hinzu. Was wäre, wenn es nicht SO, sondern anders gewesen wäre. OB die Dinge dann anders sein würden? Wie begegnet man einander und wie sich selbst? Oder ist einfach alles SO, wie es eben ist? ALS lässt Freiraum für Sprache und Platz für eine Begegnung im Austausch über die Welt.

Bärbel Kosanke verfolgt seit 2016 ein künstlerisches Projekt und fotografiert nach bestimmten Regeln Krähen im Kiez. Die Regeln: 1. Sie arbeitet nur mit der Handykamera. 2. Die Krähe / die Krähen sollen fliegen. 3. Sie darf die Krähen nicht füttern. Entstanden ist eine Serie mit ca. 1000 Fotos, die sie in „Schwärmen“ auf Platten präsentiert.

Das Schneideratelier öffnet sich für eine interdisziplinäre Präsentation mit Kostümen, Stoffen, Malerei und Performance. Stoffe spielen hier die Hauptrolle: sie werden bearbeitet, versetzt, umformt, bewegt, verändert, angepasst und neugeordnet. Agnes Lörincz stellt ihre mit Stoffen collagierten Bilder im Schneideratelier Dering van Dieken aus. Carlotta van Dering und Marlene van Dieken schneidern hochwertige Kostüme und Maßbekleidung, Agnes Lörincz lässt sich von Stoffen inspirieren und sie Teil ihrer Malerei werden. Neben älteren Bildern werden neue Bilder gezeigt, auf denen einzelne Stoffe aus dem Schneideratelier wiederentdeckt werden können. Es entsteht ein Dialog zwischen den Bildern und den in die Nähe gehängten Kleidungstücke, ein neuer Zusammenhang. In der Performance am Eröffnungstag wird der Stoff als Kostüm am Körper des Performancekünstlers auch in einer Aktion erlebbar sein.

Nach dem Ortstermin23 schließt die Galerie. Sie war 14 Jahre Gastraum für über 80 Ausstellungen, Lesungen und Benefizveranstaltungen. Während Udo Würtenberger eigene Holzschnitte der letzten 30 Jahre ausstellt, zeigt Salome Haettenschweiler Malerei, Grafik und Objekte.

Am Sonntag, 03.09. um 15 Uhr findet ein Galeriegespräch statt. Alexander Soth stellt Udo Würtenberger Fragen zu seiner Galerie und zu seiner bildnerischen Tätigkeit.

Die Gastgeber Ernst Wellnhofer und Agnes Sauter-Wellnhofer laden ein und zeigen vor, sind Kuratoren.
Die Gastkünstlerin Merit Fakler präsentiert ein Gastgeschenk und zeigt neue Videos.
Der Gastkünstler Dietmar Spiller zeigt L lässt grüßen (Grafik).
Ein künstlerisches Gastmahl wird zubereitet von Mo Frank-Auth (Performance) mit achtsamer Vorkost am 1. Tag auf Schalen von Regina Klusmann und Agnes Sauter-Wellnhofer (Glas und Keramik). Am 2. Tag wird Schiefer-Tafelmusik von Anatol Weisse zur Pilzsuppe aus dem Spandauer Forst gespielt, anbei Kartonobjekte von Mo Frank-Auth und Farbzeichnungen von Anatol Weisse.

Konkret und Abstrakt
Farben und Formen

Seit fünf Jahren gibt es die Malgruppen. Wir treffen uns, um etwas „Kreatives zu schaffen“. Wir erfahren unterschiedliche Techniken für die Bildgestaltung. Wir lernen uns im Gestaltungsprozess kennen. Wir tauschen uns miteinander aus, was gefällt, was passt, was passt weniger … Die Gespräche geben uns (auch) Geselligkeit, Anregendes für den Alltag. Wir freuen uns auf neue Teilnehmer:innen. Wir zeigen Bilder, die in den letzten zwei Jahren entstanden sind.

Der Treff am Ottopark ist eine offene Freizeiteinrichtung für Menschen ab Mitte 40 aus dem Stadtteil (Fördergeber: Bezirksamt Mitte; Träger: Moabiter Ratschlag e. V.). Der Treff veranstaltet wohnortnahe Angebote wie PC- und Englisch-Kurse, Malgruppen, Sport, Yoga für Senior:innen, Qi Gong, Spiele-Nachmittage, eine Koch-, eine Mitsing- und eine Impro-Theater-Gruppe, Beratungen und Vorträge zu Themen, die für Rentner:innen relevant sein können, gemeinsame Besuche von kulturellen Veranstaltungen, Kunstführungen und vieles andere mehr. Die Kurse und Angebote sind kostenlos für die Besucher:innen, in einzelnen Kursen werden Materialkosten erhoben. Seit März 2023 gehört der Otto-Treff zum Netzwerk der Wärme und kann daher auch Öffnungszeiten außerhalb der Kurse und Veranstaltungen anbieten. Die Besucher:innen können bei einer Tasse Kaffee oder Tee (Selbstkostenpreis) einen Blick in die aktuelle Zeitung werfen, nette Gespräche führen oder einfach ein wenig entspannen und ausruhen.

Isa Zappe und Jakob Urban zeigen im Café Mauerwerk neue Arbeiten, die sich in verschiedenen Medien mit unserem Bezug zur Welt beschäftigen. Bigfoot, KI, queere Farben und ganz viele Blumen – Isa Zappe und Jakob Urban zeigen neue Arbeiten zwischen Video, Malerei, Druck und Installation. Befragungen des menschlichen Verhältnisses zur Natur und zueinander, sei es durch Fabelwesen oder Blumenzucht, digitale Medien oder queeres Leben.

Die plattform.moabit öffnete im Frühjahr 2005 ihre Türen. Sie ist eine der ersten Produzentengalerien Moabits mit dem Interesse nicht nur in eigener Sache, sondern auch eine Plattform für Künstler:innen und Designer:innen zu sein. Mit der Ausstellung ACHTZEHN wird diese Reise durch die Jahre fortgesetzt und mit allen Ausstellern:innen und Gästen die Volljährigkeit gefeiert! Gäste sind wie immer herzlich willkommen!

Andrea Knobloch zeigt große Zeichnungen, es sind Grabungen hinter den Fassaden. Sie versuchen sich daran, die Chimären transformierter Körperlichkeit ins Sichtbare zu bringen. Hinter seiner optimierten Fassade verbirgt der spätmoderne Mensch eine zunehmende Fassungslosigkeit angesichts der radikalen Erweiterungen menschlicher Handlungsspielräume.

Melting Soundscapes von Özcan Ertek sind Klanglandschaften, verschlüsselt im Thielpark in Berlin. Lokalisiert in einer Topografie, die sich am Ende der letzten Eiszeit und im Kontrast zur urbanen Expansion Berlins befindet. Das Mikrofon als Vergrößerungslinse verwendend, birgt die Arbeit Klangbeispiele, um über vergessene Tiefenökologien oder zukünftige eiszeitliche Klänge zu spekulieren.

In welchem Verhältnis zur Natur befinden wir uns? – in lockerer Reihe lädt Silke Riechert in ihr Atelier und Projektraum ein. Sie forscht an den Verwandlungsprozessen des Verfalls und Neubeginns im Kompost, bei Ästen und Erden, verbunden als Kompostskulpturen.

Manche Gäste bleiben – und das, obwohl sie gar nicht eingeladen waren.

So richte ich beim diesjährigen Ortstermin zum Thema „Gast“ den Fokus auf Pflanzen und Tiere, die oft als blinde Passagiere mitreisen und zum Teil dann auch bleiben. Breiten sie sich in ihrem neuen Lebensraum nahezu ungehindert aus, spricht man von biologischer Invasion. Mit der fortschreitenden Globalisierung und der Beschleunigung der Gesellschaft haben sich auch die Wege, wie ein Einwanderer ein neues Habitat erreichen kann, verändert. Natürliche Barrieren wie Wasser, Gebirge oder Wüsten spielen nun für invasive Spezies eine deutlich geringere Rolle. Stellenweise kann dadurch die Artenvielfalt zunehmen, häufiger sind aber negative Auswirkungen.

Für die Präsentation im Rahmen von Ortstermin nehme ich einige der in Berlin zu findenden invasiven Arten unter die Lupe. Im großen Maßstab und auf Goldgrund können sie ihre bisweilen bittersüße Schönheit ungehemmt entfalten.

Karen Schepers Zeichnungen, Assemblagen und Objekte entstehen auf der Basis von Texten, Schriftelementen, multimedialen Bildern und dem eigenen Fotoarchiv. Dabei nutzt sie die konzeptuelle Zeichnung als direktes Medium, Gesehenes oder Gelesenes zu analysieren, desgleichen als Mittel zur Reflexion über gesellschaftlich-politische Konzepte/Realitäten. In der zeichnerischen Re-Kontextualisierung von Text- und Bildstrukturen entwickeln sich komplexe Informationscluster, verdichtet zu abstrakten Zeichensystemen.

Häufig setzt Scheper die Techniken der Dekomposition und der Collage ein und kombiniert dafür Found Footage, digitale Bearbeitung und verschiedene Zeichentechniken. So treffen zum Beispiel Fragmente von Zeitungsbildern auf visuelles Material von Marssonden, deren digitaler Bildraum zeichnerisch umgeschrieben wird. Aus diesem Prozess heraus entstehen artifizielle Räume und Environments, in denen Konstruktion und zeichnerischer Gestus ineinander greifen.

In dieser visuell-klanglichen Rauminstallation versuchen die kanadisch-haitianische bildende Künstlerin Stina Baudin und die britische, in Berlin lebende Künstlerin für experimentelle Musik Abigail Toll die objektive Logik eines Datensatzes zu hinterfragen. Durch einen Prozess, den die Theoretikerin Denise Ferreira da Silva als fraktales Denken bezeichnet, „dezentrieren sie Zeit und Sequenzialität, um kompositorische Muster zu identifizieren, die die strukturierende Grammatik unserer Welt offenbaren“. In einem Prozess, der sich über fast ein Jahr erstreckte, sammelten die Künstlerinnen Wahrheitswerte aus ihrer eigenen täglichen Erfahrung und schufen ihr Werk gemeinsam über die sechs Stunden Zeitunterschied zwischen Deutschland und Kanada hinweg. In einer Reihe von Studien schichten sie sechs gewebte Tafeln in Kombination mit sechs Musiksätzen übereinander, die sechs Themen umfassen – Etymologien, Wasser, Zeit/Verschiebung, Flucht, Wunder und Erinnerung. Der fragmentierte Klang und die unleserliche visuelle Dokumentation stellen nicht nur die Abwesenheit und die Verformungen in Frage, die die Künstlerinnen in früheren Datensätzen gefunden haben, sondern verdeutlichen, wie gelebte Erfahrungen und Erinnerungen(unsere Wahrheitswerte) im Laufe der Zeit einen Prozess der Fragmentierung und Verzerrung durchlaufen.

www.stinabaudin.com, www.abigailtoll.com

Die Ausstellung wird unterstützt von HOLON.

Die Serie Rehearsing Moves on Hazy Paths wird durch Unterstützung des Hauptstadtkulturfonds ermöglicht.

Im Schaufenster des Korea Verbandes wird ein Gedenkzeichen zu NS-Verbrechen von Roswita Baumeister ausgestellt.

Ortstermin öffnet den Raum für die Begegnung mit dem Gedenkzeichen zur Erinnerung an die Frauen,die Sex-Zwangarbeit leisten mussten, (installiert in der Mahn- und Gedenkstätte Ravensbrück im Jahr 2020) und der Arbeit des Korea Verbandes im Museum der Trostfrauen.. Roswitha Baumeister, Karin Kröll und Christine Mühlhan-Korner geben Einblick in ihre Arbeit am Gedenkzeichen und in die dazu entstandene Publikation.

Roswitha Baumeister, bildende Künstlerin in Berlin, arbeitet inhaltlich zu Repräsentation von Frauen, Geschlecht als Fassade, Gedächtnis der Stadt und Erinnerungskultur.

Die Grafiker*in Karin Kröll lebt und arbeitet in Hamburg. Das Hauptaugenmerk ihrer künstlerischen Arbeit liegt auf visuellen Eingriffen und Sichtbarmachungen im öffentlichen Raum.

Die Produkt-Designerin Christine Mühlhan-Korner, arbeitet in Berlin-Reinickendorf. In ihrer Manufaktur entstehen Kunst- und Gebrauschsgegenstände aus Glas, kombiniert mit Materialien wie Gold, Palladium oder Kupfer.

Menschen, Gesichter, Geschichten
Kai Heimberg zeigt in dieser Ausstellung Porträts der letzten drei Jahre. Berührend, provokant, ganz nah.

Botox ist ein eingetragener Produktname, abgeleitet von Botulinumtoxin, einem der stärksten Nervengifte, das man/frau sich gerne ins faltige Gesicht spritzen lässt, um es wie einen Babypopo aussehen zu lassen. Es handelt sich dabei um Ausscheidungen von Bakterien, die in verdorbenem Fleisch gedeihen. Daher auch der Name, abgeleitet vom lateinischen Wort botulus (= Wurst).

Gleb Bas und Thomas Lang haben Jan Deyrieux und Pawel Podolak dazu eingeladen, in einer gemeinsamen Ausstellung einem möglichen Verhältnis von Botox zur zeitgenössischen Kunst nachzugehen.

Die Ausstellung UnFinished2023 stellt die Welt einer Figur vor, die unsere Vorstellungskraft fesselt und uns abstößt. Eine Reise in die Abgründe der menschlichen Unmoral mit der rätselhaften Figur.

„Jack Hole“ debütiert in unserer sinnlich erfassbaren Welt und wird durch den Künstler Daniel Hemel lebendig, der hier sein Angestellter ist und ihn in einem immersiven Raum eines ehemaligen Gebetshauses zur Welt kommen lässt.

Mit seiner Schläue und seinen abgründigen Begierden verkörpert „Jack Hole“ die Abartigkeit und Skrupellosigkeit eines ausschweifenden Charakters, der einen unauslöschlichen Eindruck in der Welt der Fiktion und der Realität hinterlässt.

UnFinished2023 zielt nicht darauf ab, die Taten von „Jack Hole“ zu verherrlichen, sondern die Komplexität seiner hyperkapitalistischen Psyche zu untersuchen. Verschiedene Artefakte werden das facettenreiche Wesen von „Jack Hole“ erhellen. Von seinen dunklen Ursprüngen bis hin zu dem von ihm gesponnenen verschlungenen Netz von Täuschungen wird uns die Beschäftigung mit seinem Charakter dazu bringen, unsere eigenen Werte, die Struktur unseres moralischen Kompasses und die Grenzen der Verderbtheit zu hinterfragen. Betreten Sie die Ausstellung mit offenem Geist, bereit für beunruhigende Enthüllungen und lassen Sie „Jack Hole“ als Spiegel der moralischen Verwicklungen unserer unvollendeten (unfinished) Welt dienen.

Du wirfst deinen Visualisierungswunsch in die Wishbox und am nächsten Tag kannst du den Ausdruck abholen.
Leinwand einmal anders. Aus Pappverpackungen werden Leinwände. Integriert ist die KI Kunst auf Pergament und Plastik. Besonderheit: Die @wishbox.berlin vom HKW nimmt Wünsche auf und präsentiert deine Kunst am nächsten Tag zum Mitnehmen auf DIN A4 gedruckt. Gerahmte Werke der KI werden gezeigt. Kinder malen mit Rot oder Blau auf Pappe.

In Verena Maria Fürsts Fenstergalerie sehen Kunstspaziergänger:innen aktuelle Malereien.

Das Projekt guest.room präsentiert fotografische Impressionen der reichhaltigen Ess- und Trinkkultur Moabits.

Das Projekt visualisiert individuelle Erfahrungen rund um das Gast-Sein und Gastgeben in der Moabiter Restaurant- und Kneipenszene. Künstler:innen und Projektteilnehmer:innen setzen sich mit der Frage von Ess- und Trinkultur als einem gemeinschaftlichem Aufeinandertreffen auseinander und hinterfragen die Auswirkungen von Inflation und Krieg im sozialen Raum. Ziel ist es, die Vielfalt des Gast-Seins/Gastgebens zu veranschaulichen – ein Gast ist nicht einfach nur ein Gast, sondern wird zu einem Gast gemacht. Somit stellt das Projekt guest.room den vielfältigen Charakter des Viertels dar, erforscht es und verbeispielt die kulinarische Vielfalt, die die Gemeinschaft prägt. guest.room ist eine Reise, die Identität, Zugehörigkeit, Veränderungen, die Kunst des Gastgebens und des Gast-Seins in einem transdisziplinären Wechselspiel vereint.

Die Ausstellung Gastarbeiterinnen im Projektraum Kurt-Kurt bietet viele Eingänge/Türen zu diversen Themenfeldern wie Arbeit, Kunst, Frau, Gast, Moabit. Die teilnehmenden Künstlerinnen untersuchen die unterschiedlichen Aspekte dieses vielschichtig lesbaren und interpretierbaren Titels mit ihren künstlerischen Strategien und Medien von Zeichnung, Film über Rauminstallationen bis Performance.

Erfolgreich stellen die Künstlerinnen international aus und reisen durch die Welt. London Paris New York Peking Moskau. Überall treten sie als temporäre Gastarbeiterinnen auf und hinterlassen künstlerische Werke in Ausstellungen. Sie sind mit ihren Arbeiten zu Gast in Museen, Kunstvereinen, Galerien, an Biennalen oder präsentieren ihre Arbeiten im öffentlichen Raum. Doch wo sind die Menschen hinter diesen Bildern? Wo und wer sind die Künstlerinnen?

Ein zentraler Aspekt der Ausstellung Gastarbeiterinnen ist die Betrachtung der zeitgenössischen Figur der Künstlerin als einer Pendlerin zwischen Migration, permanenter künstlerischer Gastarbeiterin und ihrer Verortung an einer bewusst gewählten festen Basis hier in Berlin. Die Arbeit als eingeladener Gast in fremden Umgebungen gehört zu ihrem Beruf. Es ist ihnen bekannt, dass Kunst im Austausch und in der Begegnung mit dem Anderen und Fremden das Eigene in seiner Unverwechselbarkeit wahrnehmbar macht und hervortreten lässt.

Darüber hinaus wirft das Thema Gastarbeiterinnen viele Fragen auf, die unsere Gesellschaft aktuell beschäftigen: etwa in Bezug auf den Fachkräftemangel oder den Klimawandel und damit verbundene „Gastarbeiterinnen“ wie Tigermücken, Zecken etc. oder Migration auf Zeit wegen Kriegen, Klimakatastrophen und politischer Unterdrückung. Aber auch die Kunst im Kontext des Stadtlabors Moabit schwingt im Titel Gastarbeiterinnen mit. Während der 1960er Jahre, als Deutschland gezielt Fachkräfte vor allem in den südlichen Ländern Europas und der Türkei angeworben hat, in der öffentlichen Wahrnehmung zumeist männliche, kamen auch viele Frauen nach Moabit, wohnten in Frauen-WGs in der Nähe, zum Beispiel an der Siemensstraße, und arbeiteten bei Siemens oder AEG, Telefunken, DeTeWe und in vielen mittelständischen Textilunternehmen.

Die Ausstellung Gastarbeiterinnen diskutiert das komplexe Thema, oszillierend zwischen Gast und Arbeit, und präsentiert dazu sechs unterschiedliche künstlerische Positionen von Hyon-Soo Kim, Antonia Low, Anette Rose, Nicole Schuck, Andrea Stahl und Michaela Zimmer.

Die Installation besteht aus einer „Landschaft“ aus Tausenden von zusammengenähten Stofftieren sowie Zielscheiben aus Stoff und Spielzeugpistolen, Büscheln von ausgestopften Hasen, die wie Karnevalsbündel aufgehängt sind, und den Fotos von den Abenteuern eines Riesenkaninchens, das frisch in Berlin gelandet ist wie Gulliver bei den Liliputanern.

Parallelwelten überlagern sich in Rabbits und kollidieren, Welten, die nacheinander oder gleichzeitig Momente der Kindheit, Fragmente eines Vergnügungsparks oder Partikel einer erotischen Fantasie enthalten. Die Arbeit spricht von der Zurückweisung der Realität, von Zufluchtsorten – von der Matrix bis zu immersiven Erfahrungen – als Gegenstück zur Unzufriedenheit und zur Malaise, die durch eine auf den Konsum ausgerichtete Lebensweise hervorgerufen werden, aber auch in Bezug auf den Begriff des Begehrens, wie er von der Psychoanalyse entwickelt wurde, das heißt die dem Menschen eigene Dimension der Suche, dieses Bedürfnis, die Realität mit dem Ziel der Befriedigung und des Vergnügens zu verändern.

(E)motion ist ein gemeinsames Video- und Audioprojekt von Marta Djourina und Jane Garbert. In der Kombination von Djourinas Filmmaterial und Garberts Musikkomposition wird die sich gegenseitig verstärkende Wirkung von Bild und Ton untersucht. Im Wechselspiel zwischen Singularität und Parallelität des analogen Bild- und Tonmaterials versuchen die Künstlerinnen, das Momenthafte und das Fortdauernde, Rhythmus und Geschwindigkeit zu verbinden.

Im Video werden wesentliche Bezüge zum Kino und zur bildenden Kunst hergestellt. Die Bilder basieren auf Lichtspuren auf Fotofilmstreifen, die dann gescannt und zu einer fließenden Bewegung animiert wurden. Die Klanginterventionen reagieren auf und interpretieren die Bewegung der Spuren und fügen den untersuchten Themen wie Umgebung, Abwesenheit, Distanz und Verbindung eine weitere Komponente hinzu.

LEFT WINTER erforscht das Konzept des Themas Gastfreundschaft anhand der alltäglichen, aber äußerst kraftvollen Kultur des Ping Pong. Die Musik verwendet Aufnahmen dieses winzigen Balls und verwebt sie auf subtile Weise zu einem quecksilbrigen Werk, das live gespielt wird. Ein Werk, das die Neigung des Künstlers zu ätherischen Klänge aus übereinander geschichteten minimalistischen Komponenten, orchestralen Parts und Glitches fortschreibt. Seine Musikperformance wird von seiner semifotografischen Studie begleitet.

Die einzelnen Künstler:innen werden in der verschiedenen Stockwerken jeweils thematisch eigene Bereiche bespielen. Unter anderem werden Historie und Impressionen des LebensTraum-Hauses in Fotos dargestellt.

Seid Gast in unseren kunstvollen Kaftanen, die ihr für einen Rundgang durch unsere Ausstellung anziehen und damit die Raumwahrnehmung aller verändern könnt. Seid Gast am Webstuhl und webt mit - alleine eure Unerschrockenheit, verschiedenste Materialien einzusetzen, zählt.

Das S9KOLLEKTIV hat ein alternatives Ausstellungskonzept im Kontrast zum White-Cube entwickelt, um ein warmes, einladendes Gefühl bei den Besucher:innen hervorzurufen. Durch das Hängungskonzept der Werke und Hilfestellungen für die Gäste wird eine neue Kunst-Erfahrung ermöglicht.

Eine der Grundideen des Kollektivs ist es, Kunst nicht nur Menschen innerhalb der Kunstwelt, sondern allen Interessierten zugänglich zu machen.

Parkbucht im öffentlichen Raum an der Kreuzung Stephanstraße / Rathenower Straße 10559 Berlin

2. Teil im Oktober 2023
Weitere Informationen und Aktualisierungen unter: www.sylviahenrich.de

L36 ist ein Raum, der Interessierten und Anwohnerinnen und Anwohnern bereits im Alltag Einblicke bietet: Wer an den beiden großen Schaufenstern vorbeikommt, kann einen Blick hinein auf einen gemeinsam genutzten Ort der künstlerischen Arbeit werfen, in dem Gemälde und Zeichnungen an den Wänden rund um die Schreibtische hängen.

Anlässlich des Ortstermins 2023 sind die Ateliertüren geöffnet und ermöglichen den Besuch im Innern und des grünen, großzügigen Innengartens, in dem die verschiedenen Gebäude der Lehrter Straße zusammenlaufen und der von den Bewohnern als Treffpunkt und für Gartenarbeiten genutzt wird.

Der Arbeitsraum wird zum Ausstellungsraum, behält jedoch durch bewusst gewählte Elemente seinen Charakter als Atelier bei. Eine Installation aus hängenden Stoffen wird die Gäste vom Vorplatz hinein und durch den Raum führen. So wird er zum Durchgang, zur Passage, die Besucherinnen und Besucher zur Erkundung und zum Verweilen einlädt.

Die drei Künstlerinnen zeigen Arbeiten, auch partizipatorischer Art, die die Aspekte von Außen und Innen, Übergang, Durchgang und Verweilen beleuchten. Jede Künstlerin fokussiert ihre Arbeit auf einen dieser Aspekte.

Die Kulturfabrik Moabit e. V. ist eines der wenigen ursprünglichen Bestandteile des Berliner Straßenlebens in Moabit. Das Haus verfolgt ein multidimensionales Konzept: die Verschränkung von Kunst und Kulturarbeit in Kooperation mit lokalen, regionalen und internationalen Initiativen und Kollektiven.

Seit 1991 fest etabliert steht die Kulturfabrik für einen Ort der Toleranz und des demokratischen Verständnisses und Wandels. Die Kulturfabrik ist Mitglied in der Bundesverbandes sozialkultureller Zentren und des Deutschen Paritätischen Wohlfahrtsverbandes.

Während ich mir den Unsinn anhöre, den Borrel sagt: „Wir haben Europa zu einem Garten gemacht, wir müssen uns vor dem Dschungel in Acht nehmen“ IDIOT!!! Während ich weiterhin diese unsinnigen Weltnachrichten lese, widme ich dieses Werk meinem lieben Bolivien … Eine Arbeit, die meinem Land Bolivien gewidmet ist. Ich hoffe von ganzem Herzen, dass wir für ein neues Bolivien arbeiten, für das Bolivien, das wir schon immer sehen wollten, schön, stolz, gebildet und vor allem im Bewusstsein unserer Identität, dass wir sagen, wie ein Freund zu sagen pflegte: „Die Geschichte gehört uns und wir machen sie.“ Vielleicht können einige von uns dieses Bewusstsein nicht ganz sehen, aber diese Formulierung macht deutlich, dass wir nach so vielen Völkermorden, denen wir ausgesetzt waren, nach so vielen Militärdiktaturen, nachdem uns so oft unsere natürlichen Ressourcen gestohlen worden sind, nachdem so oft versucht worden ist, uns unsere multinationale Identität zu nehmen, heute stärker sind als je zuvor ... Wir alle, alle Südamerikaner:innen, alle Mittelamerikaner:innen und alle Bewohner:innen der Karibik, müssen Zeit haben, unseren Kontinent wiederherzustellen und uns um unsere Plurinationalität zu kümmern. Vielen Dank dafür an unsere Held:innen, die nicht wenige sind, danke auch an unsere Dichterinnen, an unsere Frauen, an unsere alten Leute, an unsere Fachkräfte, die es verstanden haben, den Weg zu erhellen, den wir gehen mussten. Heute sehen wir ein Bolivien, das immer noch die Last so vieler Jahrhunderte stemmt, aber mit harter Arbeit und gemeinsam werden wir es schaffen. Jallalla Bolivien DOMITILA

Mientras escucho las idioteces que dice Borrell, " hemos hecho de europa un jardin,tenemos que tener cuidado de la jungla " IDIOTA !!! Mientras sigo leyendo estas burradas de noticias del mundo,le dedico este trabajo a mi querida Bolivia... Obra dedicada a mi País Bolivia. Espero en lo más profundo de mi ser que trabajemos por esa Bolivia nueva, por esa Bolivia que siempre hemos querido ver, linda, orgullosa educada y sobre todo consciente de nuestra identidad, Que digamos como decía un amigo, "La historia es nuestra y la hacemos nosotros" posiblemente algunos de nosotros no podremos ver en su totalidad las toma de conciencia, pero, que dejara bien claro, que después de tantos genocidios al que fuimos sometidos, que después de tantas dictaduras militares, que después de tantos robos de nuestros recursos naturales, que después de tantos intentos de quitarnos nuestra identidad plurinacional, hoy estamos presentes más fuertes que nunca… Todos los Sud americanos, todos los centro americanos y todos los caribeños, tenemos que tener tiempo para recuperar nuestro continente y de cuidar nuestra plurinacionalidad y estar agradecidos por ese gesto tan noble a nuestros héroes, que no son pocos, gracias también a nuestras poetisas, a nuestras mujeres, a nuestros viejos, nuestros profesionales, que han sabido alumbrarnos el camino que teníamos que seguir. Hoy vemos una Bolivia que todavía se está sacando el peso de tantos siglos, pero con trabajo y todos juntos unidos lo vamos a lograr. Jallalla Bolivia DOMITILA

Roxana Halls (geb. 1974, Plaistow, UK) ist eine britische figurative Malerin, die für ihre Gemälde von eigensinnigen Frauen, die sich den Erwartungen der Gesellschaft verweigern, sowie für ihren ironischen Humor und ihre beunruhigenden Erzählungen bekannt geworden ist. Halls brach ihre akademische Kunstausbildung im Alter von 18 Jahren ab und blieb weitgehend Autodidaktin. Sie lebt und arbeitet im Süden Londons. Die Ausstellung Die Augen der Roxana Halls ist ihre erste institutionelle Ausstellung.

Dem Thema der Namensgebung und der Bedeutung von Namen widmet sich die Ausstellung To be – Named. Entstanden ist sie in Reaktion auf einen Open Call, der Künstler:innen aus aller Welt, unabhängig ihrer kulturellen Hintergründe und Identitäten, die mit digitalen Medien, wie Video, Fotografie, Aufführungen, Geräuschkulissen, Animation, Computerspiele, etc. arbeiteten, aufrief ihre Werke einzureichen.

Als Teil eines größeren Projekts (hauskunstmitte.de/to-be-named) wurde aus zahlreichen Einsendungen dann eine Auswahl getroffen von Werken, die an mehreren Orten in der Welt ausgestellt werden würden. Jeder Ausstellungsort ergänzt die Auswahl der „reisenden“ Kunstpositionen um ebenso viele lokale Positionen – um einerseits einen Dialog der teilnehmenden Künstler:innen untereinander zu befördern und andererseits auf die spezifischen Diskurse zur Ausstellungsthematik in den jeweiligen Ländern einzugehen.

Mit der Ausstellung Hülle lade ich Freund:innen ein, sich künstlerisch mit dem Konzept und dem Begriff Hülle auseinanderzusetzen.

Im Alltag begegnen und nutzen wir Hüllen ständig. Zum Schutz, zum Transport und um Dinge unbeschädigt und frisch zu halten. In der Natur ermöglicht eine Hülle das beschützte Heranwachsen.

Unsere eigenen Körper kleiden wir ein, um uns zu verschönern oder zu wärmen. Dabei ist unser Körper selbst schon eine Hülle für Gedanken und Organe. Der Körper ist Verhülltes und Hüllendes zugleich.

Vier künstlerische Positionen nähern sich dem Thema fotografisch, zwei Positionen arbeiten malerisch. Dreidimensionalität im Raum wird durch eine Skulptur geschaffen, zur Eröffnung gibt es eine Performance.

Begleitet von sanfter Musik kommt eine Person mit einem ihrer Hautfarbe ähnlichen, transparenten Gewand in den Raum. Sie schaut sich um und bewegt sich leicht wie eine Feder im Raum. Ihre einzige Hülle, der Körper, die Haut, die unser Dasein von unserem Bewusstsein trennt, verlässt sie, indem ihre körperliche Schicht, die eigene Haut transparent wird. Tänzerisch-spielerisch verwandelt sich ihr Körper in ihr Bewusstsein, ihre Hülle transzendiert in die Atmosphäre, sie wird hüllenlos.

Nico Tobias Nitsch zeigt neue Arbeiten aus dem Bereich KlangSkulpturen, mechanische Musikmaschinen und kinetische Objekte. Ein Hauptprojekt sind mechanische Gebetsmaschinen zu Rettung der Welt!

Die GlassConnectionBerlin e. V. ermöglicht jedem den spannenden Einblick in die verschiedensten Prozesse und Techniken des Glasmachens. Venezianisches Handwerk, internationale Glaskunst und Alltagsgegenstände, in der GlassConnectionBerlin trifft alles aufeinander. Sie verbindet die gemeinsame Passion für dieses traditionelle Kunst, die den rasanten Alltag entschleunigt. Glas ist zwar allgegenwärtig, doch dessen tatsächlicher Wert offenbart sich erst wirklich im Prozess der Herstellung. Die Künstler:innen arbeiten live mit der Metallpfeife am 1200°C heißen Schmelzofen und lassen aus dem glühend flüssigen Material einmalige Glasobjekte entstehen. Ob kraftvoll oder filigran gearbeitet, in der Ausstellung findet sich die Klarheit und Farbenvielfalt von Glas wieder. Lassen Sie sich vom Glasblasen begeistern und tauchen Sie bei uns in dieses faszinierende Kunsthandwerk ein. Acht Berliner Glaskünstler:innen zeigen ihre Glasobjekte. Des Weiteren werden Pyrografien ausgestellt und der Flammenbrunnen im Hof lädt zum Verweilen ein.

Erstmalig tun sich Künstler:innen des Künstlerhauses Art House Rising in der Paulstraße 34 zusammen und zeigen aktuelle Arbeiten in einer Gruppenausstellung sowie in ihren offenen Ateliers. Zur Eröffnungsfeier wird es neben der Kunst auch eine Bar, Essen und Musik geben.

Seit 2020 entsteht und entwickelt sich das Art House Rising in der Paulstraße 34. Aus einem ehemaligen Hostel machten Künstler:innen aus eigener Initiative ein Haus mit Ateliers, Werkstätten, Musikstudios, Tattoostudios und einem Ausstellungsraum mit regelmäßigem Programm.

In den Schaufenstern, die ihnen von Blumen- und Gartenkunst Tunger-Schnur für das Festival zur Verfügung gestellt werden, erproben die beiden Künstlerinnen Elisa Canducci und Fabrizia Vanetta die Möglichkeiten, die ein nicht begehbarer und nur von der Straße aus einsehbarer Raum als Ausstellungsfläche bietet. Es wird eine ortsspezifische Installation gezeigt.

point of view steht für einen gedanklichen Standpunkt, von dem aus eine Geschichte erzählt wird, aber auch für den tatsächlichen Blickwinkel, den die Betrachter:innen vor der Installation einnehmen können.

Heinstoldt Diary’s ist ein fortlaufendes Videoprojekt, das aus der Perspektive zweier 24-Jähriger gestaltet wird. Es verbindet Techniken der Fotografie und des Videos, um kurze, flüchtige Clips zu erzeugen, die ihre Träume, Erinnerungen und Gedanken repräsentieren. Jedes Video wirkt wie ein visueller Tagebucheintrag. Heinstoldt Diary’s fängt eine Bandbreite von Erfahrungen ein – von der Realität bis zur Traumwelt, von vergangenen Erinnerungen bis zu zukünftigen Ideen.

Dieses Projekt lädt die Zuschauer:innen ein, sich in den vorgestellten Momenten wiederzufinden, nachzudenken und Inspiration zu ziehen.

Nach Goethes Prinzip der „Urpflanze“ ist das Grundelement, woraus eine Pflanze erwächst, überall in der selbst Pflanze wiederzufinden. Durch das bewusste Wiederverwenden gleicher Elemente in fast allen Arbeiten entsteht eine direkte Verbindung der einzelnen Werke untereinander.

Zwei junge Künstlerinnen geben ein Einblick in ihre Wahrnehmung der Realität. Die unterschiedlichen Ansichten sind in unterschiedlichen Medien wiedergegeben und lassen die Betrachter:innen parallele Welten auf unterschiedliche Weise entdecken.

Nach einer langen Reise durch Kanada teilt der Fotograf seine ganz eigenen Eindrücke mit den Betrachtern.

Das Festival Time to Listen führt internationale Künstler:innen zusammen, die mit musikalischen Mitteln auf das dringliche Thema der Klima- und Umweltkrise reagieren. Sie regen mit Klängen dazu an, über unser Verhältnis zu Umwelt, Technologie, indigenem Wissen, Klimagerechtigkeit und Konsum im Anthropozän nachzudenken. Die Projekte verdeutlichen die globale Perspektive und weltweite Besorgnis und laden dazu ein, den letzten Refugien von Biodiversität in Regenwäldern, schmelzenden Gletschern oder austrocknenden Flüssen und Wüstenbildung in der Subsahara zuzuhören. Gleichzeitig begegnen wir der Missachtung des Lebendigen in globaler Abfallwirtschaft, Viehzucht, Überfischung und Bodenversiegelung. Künstler:innen machen Umweltveränderungen erfahrbar, stellen ethischen Fragen und weisen Wege auf, mit diesen umzugehen, emotional und handelnd. Es werden Szenarien entwickelt, in denen Menschen und natürliche Ökosysteme ihre symbiotische Beziehung wieder aufleben lassen, indigene Naturkonzepte als Transformationsoption durchscheinen oder klimaneutrale Technologien den Klang hervorbringen.

Wasser als unverzichtbarer unergründlicher Lebensraum und die Bedrohung, darin zu ertrinken. In der Klanglichkeit des Ein- und Ausatmens liegt die Verdichtung der heutigen Zeit, im Zittern der Sprache der hörbare Rhythmus der Überlebenskraft. Aphrodite, die Schaumgeborene: Auf ihr Zutun, so heißt es, entbrannten zehn Jahre Krieg. Ein interdisziplinärer sinnlicher Performanceabend mit Stimme, Sprache, Klang, Wasser, Schaum, einem Aquarium und Hydrophonen, mit der Stimmperformerin und Komponistin Ute Wassermann, der Komponistin und Schriftstellerin Nina Dragičević und der Schriftstellerin und Performerin Anna Hetzer.

Ute Wassermann: Krill (2023, UA) für Solo-Performerin und Aquarium
Nina Dragičević: Stop (2021) für Solo-Performerin und Wasserschüssel
Anna Hetzer: Schaum. Ein Cybertrip durch den Garten Erde (2022) Performance

Die Uraufführung der Sprechchor-Aktion MOABITER CHÖRE von dem Komponisten und Klangkünstler Peter Ablinger ist das große Finale des Festival Time to Listen. Die ökologische Krise in Klang und Musik der Akademie der Künste (18.08.–03.09.). Zwei Chöre, gebildet aus freiwilligen Mitstreiterinnen, laufen auf gegenüberliegenden Bürgersteigen von der Akademie der Künste im Hansaviertel (ab 14 Uhr) zum Ottopark in Moabit zur Nachhaltigkeitsbude (an 14:45) und sprechen auf diesem Weg im Wechsel und angeleitet von zwei Chorführerinnen Texte, die sich auf die aktuelle Situation der Klimakrise beziehen, Texte von Peter Ablinger, die irgendwo zwischen Sinn und Unsinn, Politik und Surrealismus, Betroffenheit und Persiflage liegen.

Wer Lust hat, kann mitmachen und sich an der Akademie der Künste für Proben und Aufführung (beides am So 3.9.2023 11–15 Uhr) anmelden unter: musik@adk.de

In diesem Workshop lernen wir, wie ein Buch aus losen Papieren gemacht werden kann. Wir erarbeiten ein Konzept, um bereits vorhandene* Texte und Bilder zum Thema Migration in einer Publikation zu vereinen. Wir entscheiden uns für einen Namen und ein Design, drucken es selbst und probieren eine einfache Form der Bindung aus. Am Ende erhält jede Person ein fertiges Exemplar des gemeinsam entwickelten Buches in die Hand.

*Dieser Workshop ist Teil von Trashumantes, einem Verlag, der in Zusammenarbeit mit der lateinamerikanischen Community in Berlin veröffentlicht. Personen, die nicht an früheren Workshops teilgenommen haben, werden zugelassen, müssen aber mit Material arbeiten, das zuvor von anderen Teilnehmenden produziert wurde.

Anmeldung: trashumantes.verlag@gmail.com

Gebauter Raum – getanzter Raum, Baukörper – Wohnkörper: Auf diesem 90-minütigen Spaziergang durch das Hansaviertel beleben 4 Tänzer:innen dessen spezielle Architekturen auf ihre Weise. Aus dem Lesesaal der Hansabibliothek hinaus und wieder zurück: ein Kreis getanzter Reaktionen, Spiegelungen und Kommentare, der von der Literatur zur Architektur und zu den Bewohnern ausgewählter Häuser und ihren Geschichten führt.

Max. 20 Personen mit Anmeldung bei „Offen für Kultur“ unter: kontakt@offen-fuer-kultur.berlin. Bitte 15 Minuten vorher am Empfang der Hansabibliothek sein.

Der Text Aber Bleib Hier von Lilli Hellmons ist eine Darstellung der Geschichten und Perspektiven von Frauen aus ihrer Familie in Bezug auf Migration und Herkunft. Die Lesungen, die über einen Zeitraum von drei Terminen in der Hansabibliothek stattfinden, bieten einen Einblick in das Leben zwischen verschiedenen Kulturen, Sprachen und Ländern. Mit dem feministischen Gesprächsformat und der autoethnografischen Erzählung gibt sie den Frauen aus ihrer Familie eine Stimme und vermittelt wichtige Einsichten in die Herausforderungen und Schätze des Lebens zwischen mehreren Welten. Der Text und die Lesungen sind besonders relevant in einer Zeit und Stadt, in der Migration und Identität heftig diskutiert werden. Als Teil ihres künstlerischen Ansatzes wird die Autorin ihren unvollendeten Text mit dem Publikum in Kontakt bringen, sodass ein intimer und sicherer Raum für gegenseitigen Austausch und Einflussnahme entsteht.

In der Ausstellung werden fotografische Positionen versammelt, die in ihren Arbeiten individuelle Realitäten notieren. Realitäten, die in Form ihrer Dokumentation zu Memos werden, die das Verhältnis der Fotografin und des Fotografen zu ihrer oder seiner Realität markieren. Die eigenen Erfahrungsräume bilden die Grundlage der ausgestellten Arbeiten. Sie erinnern sich und andere an persönliche Erfahrungen und an erfahrbare Veränderungen. In ihrer Bündelung bilden sie den Anspruch eines kollektiven Erinnerns innerhalb subjektiver Vergegenwärtigung. we must pool our memos. ist ein Memorandum an das Geschehene und das Gemeinsame: „note to self“ wird zu „note to ourself“.

Bärbel Dieckmann, 1961 in Bielefeld geboren, ist eine expressionistisch-realistische Bildhauerin. Auf einem Humanistischen Gymnasium kam sie schon frühzeitig in Kontakt mit klassischer Literatur und ihren Gestalten. Ihre Geschichten und Themen sind von bleibendem Interesse für sie und haben ihre Arbeit stark beeinflusst. Die griechischen und römischen Götter und Göttinnen sind in ihren Tugenden und Untugenden sehr menschlich: in dem Mythischen sieht Dieckmann nicht das Ferne und Fremde, sondern das Unmittelbare und Menschliche. Sie bekam die Aufgabe, das offiziele Porträt des Bundespräsidenten a.D. Joachim Gauck zu modellieren.

Aquarelle zum Festhalten von Erinnerungen und Träumen. Die Schönheiten der Natur emotional und expressional auf Papier festgehalten.